« Les petits trucs » : si votre façade est obscure…

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Et en plus, on économise de l’électricité…

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Détournements mineurs (I)

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Quand les objets se mettent à avoir de l’humour :  les compositions surréalistes du photographe espagnol Chema Madoz.

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Eye candies : les sucreries préférées des enfants de la famille Adam, sans doute…

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Pour garder ses livres bien au chaud, les longues soirées d’hiver…

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Pour ceux qui ont du mal à repérer le trou de la serrure

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Pour fumer en musique

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Illustres illustrateurs : l’italien Piero Fornasetti (1913-1988)

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Folie polymorphe

Piero Fornasetti (1913-1988)

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Piero  Fornasetti (1913-1988)

« Des canons et des ordres, j’ai appris la rigueur, l’amour de la symétrie, l’équilibre. Je dirais même, en ces temps de barbares retours de la barbarie, l’harmonie. Je les ai proposés sur des formes simples et pures, j’ai marié la décoration à la forme.»
« Mon père avait la volonté de mettre la « raison » au service de la « déraison », ce qu’il appelait en français « la folie pratique » – Barnaba Fornasetti
« Il était le mage d’une magie précieuse et précise »  – Pablo Neruda

    Piero  Fornasetti est un peintredesigner, sculpteur et décorateur d’intérieur italien du xxe siècle, le créateur de plus de 11 000 pièces. Contre l’avis de son père, il décide d’entreprendre une formation à l’académie des beaux-arts de Brera à Milan d’où il sera expulsé en 1932 pour indiscipline. Il travaille le dessin, la gravure, l’impression sur toutes sortes de supports : le papier, le verre, la céramique, les tissus, le cuivre… Ses influences sont les grands artistes du moment : De Chirico, Lucio Fontana, Marino Marini. Ses foulards imprimés sont repérés par le célèbre architecte et designer Gio Ponti en 1933 qui lui demandera de réaliser, entre autres projets fous, les cabines et les salons du paquebot Andrea Doria. De 1943 à 1946 il s’exile en Suisse mais vécut la plupart du temps à Milan. En 1970, il fonde avec des amis à Milan une maison d’édition spécialisée dans les livres d’art, la Galleria dei Bibliofili. Décorateur inventif et prolifique, il a été célébré par des figures de son temps, tels les designers italiens Ettore Sottsass et Andrea Branzi et a influencé plus tard des personnalités telles que la couturière britannique Vivienne Westwood et ses amis punk ainsi que le rockeur Sting qui s’était entiché du mobilier qu’il avait dessiné.

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Quelques unes des 350 variations du visage de la cantatrice Lina Cavalieri dessinés par  Piero  Fornasetti :  La variation est non seulement une entreprise noble ou un exercice musical, mais aussi une tradition intellectuelle et la virtuosité de l’imagination» – Giò Ponti

     Fornasetti avait commencé très tôt une collection d’images dans laquelle il puisait quand il avait besoin d’inspiration, il découpait pour cela des magazines et même des livres. Au lendemain de la guerre, il découvre dans une revue française du XIXe siècle un portrait de femme qui va l’ensorceler et qui deviendra sa muse. Il s’agit de la cantatrice soprano Lina Cavalieri, considérée à son époque comme l’une des « plus belles femmes du monde » dont l’écrivain et poète Gabriele D’Annunzio avait écrit qu’elle était capable de « créer avec son art, une harmonie rare entre sa beauté physique et la passion de sa voix » et qui avait la réputation d’avoir fait tourner des centaines de cœurs dont celui de Benito Mussollini. À partir de 1952, il transforme le visage circulaire de la Cavalieri « comme il le souhaitait », l’utilisant comme motif d’une série d’assiettes, de verres, de presse-papiers et de chandeliers et pour lequel il créera pas moins de 350 déclinaisons. Cette production est devenue un emblème du design italien et a fini par faire « disparaître (la Cavalieri) derrière les formes qu’il avait inventées » (dixit Mauriès).

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Lina Cavalieri : ressuscitons la femme derrière l’assiette

     Élevée dans les rues, orpheline à 15 ans, Lina Cavalieri rejoint une troupe théâtrale voyageant dans les provinces italiennes Elle a débuté dans le vaudeville, chantant dans des cafés-concerts et se faisant remarquer par ses prestations aux Folies Bergères. On dit qu’elle aurait eu 840 propositions de mariage. L’amoureux le plus connu étant Benito Mussolini. Lors d’une tournée en Russie, elle épouse le prince Bariatinsky qui la convainc de se produire sur les scènes lyriques. Elle débute à l’opéra dans La Bohème (rôle de Mimi), puis chante à Paris et au Met dans l’opéra de Giordano, Fedora avec comme partenaire Enrico Caruso. Elle séduisait et fascinait par sa beauté. Divorcée, elle épouse le 18 juin 1910 le millionnaire Robert Winthrop Chanler (en), mais ils se séparent au bout d’une semaine. L’évènement fait scandale et est à l’origine de la rupture de son contrat avec le Met. Entre 1914 et 1921, elle s’essaie au cinéma à Hollywood, sans grand succès. Elle épouse en 1913 le ténor français Lucien Muratore dont elle se séparera en 1919. En 1926, elle fait ses adieux à la scène et ouvre un institut de beauté à Paris. Elle meurt avec son quatrième mari dans le bombardement de Florence le 8 février 1944.    (Crédit Wikipedia)

La voix de Lina Cavalieri, limitée, était plutôt faite pour le répertoire léger. Je n’ai pu m’empêcher de vous faire écouter en contre-point, même si l’enregistrement n’est pas de la meilleure qualité, le même morceau, « Vissi D’arte » de la Tosca de Pucini, interprété de manière poignante en 1956 par l’inoubliable Maria Callas qui apparait là bouleversante d’émotion et de vulnérabilité. À écouter également la merveilleuse interprétation d’Angela Gheorghiu.

Paroles de chanson italienne « Vissi d’Arte« 

Vissi d’arte, Vissi d’amore,                          J’ai vécu d’art, j’ai vécu d’amour,
non feci mai mâle ad anima viva!              Je n’ai jamais fait de mal à âme qui vive !
Con man furtiva                                            Par une main cachée
quante misere conobbi aiutai.                    J’ai soulagé toutes les misères que j’ai rencontrées.
Sempre con fè sincera                                  Toujours avec une foi sincère
la mia preghiera                                            Ma prière
ai santi tabernacoli Sali.                              Est allée vers le saint tabernacle.
Sempre con fè sincera                                   Toujours avec une foi sincère
diedi fiori agl’altar.                                       J’ai offert des fleurs à l’autel.
Nell ‘ ora del dolore                                       En ce temps de douleur
perchè, perchè, Signore,                               Pourquoi, pourquoi, Seigneur,
perchè me ne rimuneri così?                       Pourquoi m’en récompenses-tu ainsi ?
diedi gioielli della Madonna al manto,     J’ai offert des joyaux pour le manteau de la Madone
e diedi il canto agli astri, al ciel,                 Et offert mon chant aux étoiles, au ciel,
che ne ridean più belli.                                 Qui en resplendissaient, encore plus beaux.
Nell’ora del dolor                                          En ce temps de douleur
perchè, perchè, Signor,                                 Pourquoi, pourquoi, Seigneur,
ah , perchè me ne rimuneri così?               Ah, pourquoi m’en récompenses-tu ainsi ?

    Vissi d’arte (en français : « j’ai vécu pour l’art ») est un air de soprano de Tosca, l’opéra italien de Puccini inspiré de la pièce de Victorien Sardou. Cette aria tragique est chantée par Floria Tosca, la cantatrice héroïne de l’opéra, au cours de l’acte II, après que le baron Scarpia, chef de la police secrète de Rome reprise aux troupes françaises par les Anglais, lui a demandé de s’offrir à lui pour une nuit en échange de la libération de son amant, le peintre Mario Cavaradossi, qui a aidé Cesare Angelotti, ancien consul de la République romaine fondée par Napoléon, après son évasion de la prison du château Saint-AngeDepuis l’interprétation de Maria Jeritza (18871982) au début du xxe siècle, les cantatrices chantent traditionnellement cette aria allongées sur le sol, face contre terre, en signe d’affliction. (Credit Wikipedia)

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article lié

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Trames & motifs

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Effets de feuillage

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Wabi-Sabi

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Japon - Wabi-Sabi

Qu’est-ce que le Wabi-Sabi ?      c’est  ICI

Japon,  Wabi-Sabi

Japon, Wabi-Sabi

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design et stratégie publicitaire : la ligne de lunettes « Capri Edition » de la marque Persol

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la déclinaison Homme de la ligne Casa Malaparte de la marque Persol

   Quels peuvent être les rapports entre une ligne de paires de lunettes de soleil et une œuvre architecturale mythique, la Casa Malaparte à Capri ?

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     La célèbre marque italienne de Vénétie Persol déclarait s’être inspirée de de la fameuse villa de Capri conçue par l’écrivain Malaparte et l’architecte Adalberto Libera en 1937 pour réaliser son nouveau modèle de lunettes créé en 2012. C’est ainsi que plusieurs des symboles de la marque créée en 1938 par Giuseppe Ratti pour protéger les yeux des pilotes de l’aviation italienne et les coureurs automobiles comme le célèbre Fangio, des effets de l’air, des intempéries et du soleil, auraient été redessinés en prenant comme référence certains détails architecturaux de la villa. Cela aurait été le cas pour la «flèche d’argent suprême», ce tenon cache-vis emblématique de la marque noyé dans la charnière, du système spécifique Meflecto en C qui permet aux branches des lunettes une grande flexibilité et qui aurait été modifié pour rappeler la la forme si particulière de la courbe du mur blanc oblique de la toiture terrasse de la villa immortalisée par la bain de soleil de Brigitte Bardot dans le film le Mépris de Godard… et enfin  des stries temporales horizontales du plat de l’extrémité des branches censées apporter confort et garantir la bonne tenue qui reproduiraient désormais l’alignement de marches du fameux escalier d’accès à la toiture.

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marque Persol - Flèches suprêmes du  modèle classique légendaire 649 et du modèle de la ligne Capri

marque Persol – Flèches suprêmes du  modèle classique légendaire 649 et du modèle de la ligne Capri (ci-dessus) – similitude de formes entre la villa et la flèche (ci-dessous)

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l'escalier de la villa Malaparte à Capri et le détail des branches de lunettes Persol

l’escalier de la villa et le détail des branches de lunettes Persol

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Captation d’image

     Vouloir trouver une relation d’ordre esthétique entre les stries d’une extrémité de branches de lunettes et le développement d’un escalier est ridicule et les promoteurs de ce rapprochement n’y croient sans doute pas eux-mêmes. En fait, on se trouve une nouvelle fois en présence de la technique publicitaire classique de survalorisation d’un produit à promouvoir par le détournement ou la captation de valeur d’une œuvre artistique universellement reconnue à forte connotation positive (musique, œuvres d’art, images, appellations, écrits, etc…) et ceci en créant dans l’esprit du consommateur une association mentale  des deux produits. C’est la raison pour laquelle des automobiles sont vendues sous l’appellation « Picasso » ou que des marques de lessives font leur promotion sous les airs de morceaux d’opéras célèbres… Cette association en référence à tout ou partie de l’objet initial « modèle » fonctionne selon un processus bien connu en psychologie : le phénomène d’association est une tentative inconsciente du consommateur d’accéder au produit  désiré par l’intermédiaire de son avatar.

      La Casa Malaparte, chargée d’un capital esthétique prestigieux et d’un fort potentiel de développement de l’imaginaire a souvent été utilisée comme cadre pour la réalisation de films (Le Mépris de Jean-Luc Godard avec Brigitte Bardot et Michel Piccoli, La pelle (la peau) de Liliana Cavani avec Marcello Mastroianni, Burt Lancaster et Claudia Cardinale), de campagnes publicitaires (Persol, campagne Hugo Boss, parfum Uomo) ou de prises de vue photographiques.

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Michel Piccoli contemplant Brigitte Bardot prenant son bain de soleil sur la terrasse de la villa dans le film Le Mépris de Jean-Luc Godard (ci-dessus) et Brigitte Bardot seule sur la terrasse. (ci-dessous)

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La Peau de Liliana Cavani - Marcello Mastroianni et Alexandra King dans la Cas Malaparte

La Peau de Liliana Cavani – Marcello Mastroianni et Alexandra King longeant la Casa Malaparte

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campagne publicitaire Hugo Boss – printemps 2011 : aucun effort, la vulgarité basique…

campagne publicitaire parfum Uomo : l’ascension vers l’absolu et au sommet,  la femme…

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Edimbourg et le port de Leith : graphisme urbain, photos en vrac

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Peter Behrens (1868-1940), pionnier de l’architecture moderne et du design – (I) 1885-1907 : années de formation

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Peter Behrens (1868-1940) - portrait par Max Liebermann, 1923

Peter Behrens (1868-1940) – portrait par Max Liebermann, 1923

    Peter Behrens, né le 14 avril 1868 à Hambourg et mort le 27 février 1940 à Berlin était un artiste visionnaire qui réunissait les talents les plus divers. Tout à la fois architecte, peintre, graveur, designer et typographe. Il passait allègrement d’une discipline à l’autre : de la peinture à l’architecture en passant par la conception graphique et le dessin d’appareils ménagers ou de meubles et la création de polices d’écriture. Il contribué de manière importante au développement de l’Architecture moderne en Allemagne et a été le premier designer industriel en étant l’ inventeur du design d’entreprise (Corporate Design) par son travail au sein de l’entreprise AEG avant la Première Guerre Mondiale. Cofondateur de la Deutscher Werkbund, il a participé à tous les mouvements d’avant-garde dans les domaines de l’art, de l’artisanat et de la production industrielle.

Peter Behrens (1868-1940) - portrait par Max Liebermann

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–––– période 1885-1899 : le Jugendstil et la Sécession de Munich –––––––––––––––––––––––––––––––––

jungend, Munich    Après avoir étudié la peinture à l’Académie préscolaire de Karlsruhe et suivi les cours de l’École des beaux-arts à Hambourg, Behrens part à Munich en 1890 où il travaille comme peintre et artiste graphique, il y rejoint le mouvement Jugendstil , une variante munichoise du modern style, et produit alors des gravures sur bois, des illustrations en couleurs, des dessins pour les métiers du livre et des objets selon le style en vogue produit par ce mouvement. En avril 1892, plus de 100 artistes créent la Sécession de Munich (Verein bildender Künstler Münchens e. V. Secession), parmi eux figure Peter Behrens en compagnie de Franz von Stuck, Max Liebermann et Lovis Corinth. Il s’agissait pour tous ces artistes de rejeter l’historicisme, le style officiel «du temps de la fondation» ( Gründerzeitstil) qui s’était développé au cours de la fondation du second empire (Reich) en 1871 qu’on estimait alors lourd, trop baroque et démodé. Le moment était venu de trouver un nouveau style. et créer du neuf. La Sécession de Munich poursuivra son activité jusqu’à sa dissolution par les nazis en 1938, durant leur « purification culturelle ».  Un peu plus tard, en pleine période de la renaissance des Arts and Crafts en Allemagne, Behrens uni ses forces avec Hermann Obrist, Août Endell, Bruno Paul, Richard Riemerschmid et Bernhard Pankok pour fonder en 1898, toujours à Munich, les Ateliers réunis pour l’art dans l’artisanat (Vereinigte Werkstätten für Kunst und Handwerk) afin de produire des objets utilitaires façonnés à la main, mouvement qui exercera une influence considérable sur al suite du design germanique. Tous ces mouvements étaient fédérés autour de la revue Jugend créé en 1896 par l’éditeur munichois Georg Hirth. 

Peter Behrens - Der Kuss, 1898

Peter Behrens – Der Kuss, 1898

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–––– période 1899-1907 : la colonie de la Mathildenhöhe à Darmstadt ––––––––––––––––––––––––––––

Mathildenhöhe à Darmstadt

Mathildenhöhe à Darmstadt

Mathildenhöhe : le credo de Joseph maria Olbrich :
« Nous devons construire une ville, une ville complète ! Quelque chose de plus petit ne servirait à rien ! Le gouvernement devrait nous donner […] un champ, et il nous appartient de créer un monde. Construire une seule maison ne signifierait rien. Comment pourrait-elle être belle si une maison laide est construite à ses côtés ? À quoi serviraient trois, cinq, voire dix belles maisons […] si les fauteuils qui sont placés à l’intérieur sont laids ou les plaques ne sont pas beaux ? Non – il nous faut un grand champ, un vaste domaine vide ; et nous pourrons montrer ce que nous pouvons faire. De la conception générale jusqu’au dernier détail, tout sera régi par le même esprit, les rues et les jardins, les palais et les maisons, les tables et les fauteuils , les lampes et les cuillères exprimeront tous la même sensibilité, et au milieu de tout cela, comme un temple dans une rainure sacré, sera bâti une maison de travail, l’atelier de deux artistes et un atelier d’artisans […] » (Joseph Maria Olbrich, cité dans: Hermann Bahr, ». Ein Dokument deutscher Kunst « , dans Bildung Essais , Leipzig 1900, p. 45 .) 

    Au cours du XIXe siècle, l’art décoratif était devenu une branche économique importante en Allemagne. Le Grand-Duc de la Hesse Ernst Ludwig, petit-fils de la reine Victoria, avait passé beaucoup de temps en Angleterre où il avait apprécié les écrits de Morris et Ruskin et l’essor des Arts and Crafts. Dans son Nouveau Palais érigé à Darmstadt, il avait d’ailleurs engagé deux artistes de ce mouvement pour décorer des chambres. Son projet était de profiter de la vogue de l’art décoratif pour développer l’industrie régionale et en même temps de faire de Darmstadt un centre culturel important. C’est ainsi qu’en automne 1899, il réunit sept artistes reconnus dans les domaines de l’architecture, de l’art décoratif, de la sculpture et de la peinture et fonda une colonie d’artistes sur la Mathildenhöhe (colline de Mathilde), un parc situé non loin du centre ville. Peter Behrens et l’autrichien Joseph Maria Olbrich, cofondateur de la Sécession viennoise, figuraient parmi ces artistes. la colonie devint un champ d’expérimentation sensationnel en matière d’innovations artistiques, à travers lesquelles les jeunes artistes s’efforçaient de concrétiser leur idéal de fusion entre l’art et la vie. Leur intention était de révolutionner l’architecture et la décoration d’intérieur afin de créer une nouvelle culture qui serait l’expression de la vie moderne Les efforts du Grand-Duc étaient secondés à Darmstadt par l’éditeur-mécène Alexander Koch dont les revues d’art Innendekoration (La décoration intérieure) et Deutsche Kunst und Dekoration (L’art et la décoration allemands) devinrent des porte-voix importants du nouveau style. La première exposition de la colonie d’artistes avait lieu en 1901 sur la Mathildenhöhe. Les membres de la colonie, dont Peter Behrens, avaient construit un bâtiment d’exposition et neuf maisons du style Art Nouveau et du Jugenstil allemand, entièrement meublées et décorées afin de donner l’exemple comment construire et habiter de façon moderne. Les sept artistes invités ont reçu une bourse de 7 ans. Cet exposition était un grand succès international même si ici et là on critiquait certaines formes trop bizarres. Ainsi Darmstadt, avec Nancy, Paris, Vienne et Glasgow, était devenu un centre de l’Art Nouveau européen, et trois autres expositions en 1904, 1908 et 1914 faisant sensation avaient lieu. En 1902, le duc de Saxe-Weimar s’inspirera de la démarche du Grand-Duc de la Hesse en invitant Henry Van de Velde à ouvrir une Ecole des arts.

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la maison de Behrens à Mathildenhöhe

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mobilier de la maison Berhens à Mathildenhöhe et objets conçus par Behrens

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–––– période 1903-1907 : enseignement à Dusseldorf, premières commandes en architecture  ––––

    En 1902, Berhens commençait à se sentir à l’étroit à Mathildenhöhe où l’architecte Olbrich monopolisait la conception de la plupart des constructions principales et des dissensions étaient apparues entre les artistes de la colonie. Le poste de directeur de la Kunstgewerbeschule (école des arts appliqués) de Dusseldorf était vacant, Bahrens y postula. C’est grâce à l’architecte Hermann Muthesius, fonctionnaire d’état qui rentrait d’un séjour à Londres où il avait été attaché culturel, qu’il obtint le poste. Mathesius voulait réformer les écoles d’art et de design allemandes en s’inspirant de ce qu’il avait appris en Angleterre. A peine installé à Dusseldorf, Behrens effectua en juin 1902 un voyage d’étude en Angleterre et en Ecosse qui lui fit une grande impression : « Ce voyage m’a permis d’approfondir et de renforcer mes notions sur la culture moderne, que j’honorerai jusqu’à la fin de mes jours » (lettre à Muthesius du 9 août).
   Behrens s’entourera à Dusseldorf de jeunes artistes et architectes de talents engagés dans le courant moderniste qui exercèrent une influence notable sur son propre travail. C’est le cas notamment de Rudolf Bosselt, sculpteur de la colonie de Darmstadt, Fritz Ehmcke, graphiste berlinois, Max Benirschke, décorateur d’intérieur viennois, Joseph Bruckmüller, peintre viennois et surtout J.L. M. Lauweriks, architecte hollandais qui exercera une grande influence sur sa pratique architecturale. Sous sa direction des réformes fondamentales changeront le visage de cette école. 

Réalisations architecturales entre 1904 et 1907

. 1904 : Garten und Kunstausstellung à Düsseldorf et restaurant Jungbrunnen
. été 1904 : séjour en Italie, à Rome et Pompéi pour étudier les antiquités.
. 1905 : lieu de conférence pour le Folkwang musuem  à Hagen en Westphalie
. 1905 : salon et mobilier de la maison Schede sur la Ruhr près de Hagen.
. 1905 : salle de lecture de la bibliothèque de Düsseldorf
. 1905 : bâtiments de la Nordwestdeutsche Kunstausstellung (exposition d’art du nord-ouest de l’Allemagne) à    Oldenburg.
. 1905 : chambre à coucher et salon pour exposition organisée par les magasins Wertheim à Berlin
. 1905 : aménagement de l’exposition de peintures Deutsche Jahrhundertausstellung du Musée national de            Berlin.
. 1905-1906 : maison Obenhauer à St-Johann-Saarbrücken
. 1906 : salle de concerts de l’exposition Deutsche Kunstgewerbeausstellung de Dresde
. 1906 : salle de concerts La Tonhaus pour l’exposition artistique du parc floral de Cologne.
. 1906-1907 : crématoire de Delstern en Prusse
. 1906-1907 : atelier pour la société Josef Klein à Hagen
. 1906 : projets non réalisés d’un temple protestant à Hagen et des grands magasins Warenhaus Leonard Tietz    à  Düsseldorf.
. fin 1906-1907 : salle d’Exposition Internationale de l’Art de Mennheim.

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Peter Behrens, Crematorium in Hagen-Delstern, Germany

Peter Behrens, fenêtre du crématorium de Hagen-Delstern, Germany

Crédit photographique : livre d’Alan Windsor « Peter Behrens, architecte et designer » – Pierre Mardaga, Editeur à Bruxelles, 1981

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Quand l’art se mange…

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    Il ne vous ai jamais venu à l’idée d’ingurgiter un Picasso ou un Paul Klee comme vous pourriez le faire avec une pizza et comme moi, jusqu’à présent, vous vous contentiez sans doute de dévorer les œuvres d’art, avec les yeux, au sens figuré… Hé bien, vous pouvez le faire maintenant au sens propre ! Contemplez, admirez, dévorez, ingurgitez et digérez – repus à souhait – de l’art !   Bon appétit…

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    Ces plats, dont l’art de la composition savante s’apparente à un ikebana culinaire, ont été composés par un restaurant japonais de Melbourne, le Wabi Sabi Salon. A quand un’ ptit’ bouffe ?

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imaginaire de la montagne : une photo de Charlotte Perriand

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Charlotte Perriand en montagne en 1930

   J’adore cette photo de Charlotte Perriand bien que ce soit l’une des seules où on ne la voit pas sourire. elle symbolise pour moi la joie de vivre et exprime l’exaltation et le désir puissant de communion avec le cosmos tout entier qu’induisent chez l’être humain les paysages de haute montagne.
   J’ai appris l’existence de Charlotte Perriand à l’occasion d’études sur l’œuvre de Le Corbusier et en particulier sur le mobilier qui accompagnait son architecture (voir l’article de ce blog consacré à ce sujet, c’est ICI). J’appréciais beaucoup son travail et son ouverture d’esprit mais j’ignorais alors qu’elle était très engagée politiquement au parti communiste* et qu’elle pratiquait de manière assidue la randonnée en montagne. C’est la lecture d’une note de présentation du journal La Croix écrite par la journaliste Cécile Jaurès d’une exposition tenue en août et septembre 2011 au Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris qui m’a fait connaître cette part de sa personnalité. Je vous reproduit ci-après cette note accompagnée de quelques photos glanées sur Internet.

* Où elle restera jusqu’à la signature du pacte germano-soviétique. Elle a par ailleurs été membre fondatrice en 1930 de l’Union des Artistes Modernes qui prône une vision moderne et revalorisée des arts décoratifs et a adhéré à la même époque à  l’Association des Ecrivains et Artistes Révolutionnaires fondée par Paul Vaillant-Couturier, voyagé en URSS et soutenu activement le Front populaire en France en 1936.

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Charlotte Perriand

   Au Petit Palais, à Paris, une exposition met en lumière le rôle de la photographie dans l’œuvre de la collaboratrice de Le Corbusier, décédée il y a douze ans.
   Un parcours éclaté dans plusieurs salles du musée, qui révèle les mille et une facettes de l’architecte : femme engagée, créatrice aux intuitions brillantes, amoureuse de la nature…

   Torse nu, tournant le dos au photographe pour embrasser du regard un magnifique panorama de montagne, Charlotte Perriand étire les bras vers le ciel. Une posture conquérante, libre, à l’image de sa personnalité audacieuse.
   Cette photographie, prise en 1930 lors d’une des randonnées à skis qu’elle affectionnait, résume le propos de l’exposition que lui consacre le Petit Palais, à Paris.

UNE PASSION POUR LA PHOTOGRAPHIE

   Six ans après la rétrospective organisée par le Centre Georges-Pompidou, il s’agit de dévoiler le versant intime de la créatrice, de plonger dans les arcanes de son œuvre à travers une facette méconnue : sa passion pour la photographie.
   « Utilisant son Rolleiflex 6×6 comme un carnet de notes, Charlotte Perriand se servit de ses innombrables clichés comme d’un laboratoire de formes, un réservoir à idées, mais aussi comme d’un outil de création, intégrant notamment des photographies à ses décorations d’intérieur », explique Jacques Barsac, commissaire de l’exposition et grand spécialiste de son œuvre (1).
    En compagnie de son épouse Pernette Perriand-Barsac, la fille de Charlotte, il a exploré les archives personnelles de l’architecte, pendant plus de trois ans, afin de mettre au jour ces correspondances secrètes à travers 430 photos et 70 meubles.
    Ici, une lampe pivotante inspirée d’une bôme de bateau, là une chaise longue basculante dont la structure métallique évoque celle d’un pont transbordeur photographié à Marseille. Plus loin, une arête de poisson a donné naissance à une banquette baptisée Méandre et un portique japonais s’est transformé en bureau.

TRÉSORS NATURELS

    « Curieuse et douée d’une grande joie de vivre, elle me conseillait souvent d’avoir l’œil en éventail, de prêter attention à tout objet, du plus humble au plus remarquable, du plus petit au plus grand », se souvient Pernette Perriand-Barsac, qui a travaillé à ses côtés pendant près de vingt ans.
    Fascinée, comme son patron Le Corbusier, par la « machine » et les produits industriels jusqu’au choc de la crise de 1929, Charlotte Perriand se passionnera pour les objets trouvés dans la nature.
    Troquant son collier fabriqué avec des roulements à billes contre une parure de coquillages, elle ramasse ses trésors naturels au fil de ses promenades en forêt ou sur les plages normandes, en compagnie de l’architecte Pierre Jeanneret, cousin de Le Corbusier.
    Galets, morceaux de bois, chaussures roulées par la mer… elle hisse au rang d’œuvres d’art ces sculptures poétiques, réinterprétant à sa manière le ready-made de Duchamp.

MILITANTE COMMUNISTE

   Si la nature nourrit l’imaginaire de Charlotte Perriand, ses clichés témoignent de son intérêt pour l’homme : portraits d’anonymes, paysans aux visages burinés, ouvriers en pleine sieste.
  Militante communiste jusqu’au pacte germano-soviétique, cette fille d’artisans accompagnera l’arrivée au pouvoir du Front populaire par d’ambitieux photomontages qui glorifient la politique agricole ou dénoncent la grande misère à Paris.
   Ne considérant pas la pauvreté et l’ignorance comme des fatalités, elle suggère la création de « maisons de la culture » (réunissant théâtre, bibliothèque, studio de radio et de télévision !) et propose de transformer les quais de Seine en zone de loisirs et de sport.

Visionnaire, dans tous les domaines.

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à lire : Charlotte Perriand et la photographie. L’œil en éventail de Jacques Barzac – Ed. 5 continents, 367 p.

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Charlotte Perriand en compagnie de Le Corbusier et son premier mari Percy Scholefield en 1927Charlotte Perriand en compagnie de Le Corbusier et son premier mari Percy Scholefield en 1927

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Charlotte Perriand et Alfred Roth, Paris 1927

Charlotte Perriand et Alfred Roth, Paris 1927

Charlotte Perriang sur la chaise longue qu'elle a crée avec Le Corbusier et Pierre Jeanneret, 1929

Charlotte Perriand sur la chaise longue qu’elle a crée avec Le Corbusier et Pierre Jeanneret, 1929

Charlotte Perriand devant la Mer de Glace à Chamonix en 1927

Devant la Mer de Glace à Chamonix en 1927

Charlotte Perriand au-dessus de Bonneval-sur-Arc, 1928

Au-dessus de Bonneval-sur-Arc, 1928

Charlotte Perriand en montagne en 1928

En montagne en 1928

Charlotte Perriand après la construction du bivouac Schelter au Mont Joly

Charlotte Perriand après la construction du bivouac Schelter au Mont Joly

Charlotte Perriand après la construction du bivouac Schelter au Mont Joly

Charlotte Perriand devant sa maiosn "Case a La Loti" au Plan d'Osier en 1939

Devant sa maison « Case a La Loti » au Plan d’Osier en 1939

Charlotte Perriand au Mont Zao au Japon en 1941

Au Mont Zao au Japon en 1941 où elle s’était rendue en 1940, invitée par le ministère impérial du Commerce en tant que « conseillère de l’art industriel ». Elle a passé toute la durée de la guerre en Extrême-Orient (Indochine, Japon).

Charlotte Perriand, vers 1934  pensive, à la fenêtre… vers 1934

Charlotte Perriand (1903-1999)

Charlotte Perriand (1903-1999)

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Charlotte Perriand : Carnet de montagne

Fille de savoyard, Charlotte Perriand aura entretenu un rapport passionné et aventurier avec la montagne. Elle publiera un petit recueil intitulé « Carnet de Montagne » (Edition Maison des Jeux Olympiques d’Hiver). Ce recueil présente également des éléments de mobilier et de décoration qu’elle réalisa pour la station des Arcs entre 1967 et 1986, station dont elle assurait alors la coordination.

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Sites consacrés à Charlotte Perriand et à son œuvre sur le NET :

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