Sète, de l’île singulière à l’île au singulier pluriel


Sète (anciennement Cette) : l’île singulière

Plan de la ville et du port de Cette en 1774 selon J. Jefferys

Plan de la ville et du port de Cette en 1774 selon J. Jefferys

Le port de Sète en 1845

Le port de Sète, le long du canal Royal, en 1845

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Vue d’ensemble du port de Sète aujourd’hui avec le cordon du Lido en haut à gauche, l’étend de Thau en arrière plan et le mont Saint-Clair qui domine la ville et le canal Royal qui relie la mer à l’étang de Thau.


Sète, l’île au singulier pluriel – photos Enki

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Le port de Sète vu du Mont Saint-Clair

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Sète, le port industriel

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Communication…

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Le canal Royal

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le cordon sablonneux du Lido entre étang de Thau et Méditerranée qui relie l’île  au cap d’Agde


Géométries amoureuses

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Pour agrandir l’une des photos, cliquer dessus. Les photos ensuite défilent


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C’est toi ? Gens de Sète


Gribouillage et embrouilles (déformations causées par mon IPhone en folie…)


Enfance


Gros chagrin

Nicolas-Bernard Lépicié - L'Enfant en pénitence

Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784) – L’enfant en pénitence

Petit morveux imbu de lui-même simplement parce qu’il commence à savoir dessiner

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Nicolas-Bernard Lépicié – Le jeune dessinateur, Musée du Louvre

Je préfère de ce peintre le charmant « Lever de Fanchon » de 1773, du musée de l’hôtel Sandelin à Saint-Omer…

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le style Louis XIV – I) le mobilier (hors les sièges)


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Hyacinthe Rigaud – Portrait de Louis XIV en costume de sacre, 1701

« L’art décoratif n’est pas seulement une dégradation des formes et des couleurs, il est aussi une histoire de la dégradation des matériaux : si la décoration du roi Soleil était « d’or pur, d’ébène, d’ivoire et de diamants » pour « épater » les « tyrans et leurs ambassadeurs », les imitateurs courtisans, princes et hobereaux utiliseront l’or demi-vierge et le faux marbre »  Yannis Tsiomis, Le Corbusier, L’Art décoratif d’aujourd’hui et « la loi du ripolin »

     L’art décoratif du règne de Louis XIV se devait participer par son luxe, son faste et ses dispositions stylistiques à la démonstration de puissance et de grandeur voulue par le monarque absolutiste qui gouvernait la France. C’est ainsi que la décoration intérieure se caractérisait par une rigidité classique et solennelle que renforçait l’utilisation de la symétrie, un sur-dimensionnement du mobilier et une exposition ostentatoire du luxe et du faste dans le but d’impressionner le visiteur. On a commencé par dorer les meubles de bois et à incurver les profils et les appuis et on a poursuivi par la mise en place de marqueteries complexes de bois rares, de métaux précieux et d’écailles. Enfin on garnira les pièces de structures de revêtements sculptés en bronzes dorés pour les renforcer et les mettres en valeur. Le style du mobilier et de la décoration intérieure va ainsi s’écarter de la rigueur architecturale et de ses principes de cohérence de la partie avec le tout et se développer de manière autonome et débridée.  Son inspiration était celle de l’Italie et de la Rome et la Grèce antiques. Sous l’impulsion du talentueux ébéniste royal, André-Charles Boulle (1642-1732), maître incontesté dans l’agencement et la pose des riches ornements de placages et d’incrustations d’écailles ou de métal (étain, laiton) et de l’incorporation d’éléments décoratifs en bronze doré, l’ébénisterie française devint la première d’Europe. Parmi les principaux concurrents de Boulle on comptait l’ébéniste Nicolas Sageot (1666-1731) qui s’inspirait pour ses motifs décoratifs de l’œuvre de Jean Berain, Dessinateur des Menus Plaisirs du Roi, et Antoine-Robert Gaudreaus, principal fournisseur du Garde-Meuble de la Couronne entre 1726 et 1746 qui réalisait lui aussi ses meubles d’après des dessins d’ornemanistes et travaillait principalement la ciselure du bronze. Il devait délaisser plus tard la marqueterie d’écaille au profit du placage de bois rares et utiliser le bois de violette dans ses œuvres (célèbres pièces que sont la commode de la chambre du roi et le médailler du cabinet intérieur du roi à Versailles.)

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Château de Versailles sous Louis XIV

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Vue du Plafond de la galerie des Glaces de Versailles par Charles Le Brun


Bureaux et tables

Bureaux plats

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André-Charles Boulle : ci-dessus, bureau plat réalisé vers 1715 pour le prince de Condé. Bâti de chêne, placage d’ébène, marqueterie de laiton et d’écaille, bronze doré, cuir. (Musée du Louvre). Ci-dessous, bureau plat en chêne et noyer avec placage écaille, ébène, laiton, ornements en bronze doré  dans les angles représentant des têtes de femmes, dimensions 198 x 93 cm (exposé au château de Vaux-le-Vicomte). 

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Détail du bureau plat du château de Chantilly présenté ci-dessus


Maurice Quentin de La Tour - Portrait en pied de la marquise de Pompadour

Maurice Quentin de La Tour – Portrait en pied de la marquise de Pompadour assise à uns table de milieu aux pieds entourés de garniture de bronze Boulle.

Tables de milieu

    La table de milieu est le nom que l’on donnait à la table de la salle à manger. Elle repose sur quatre pieds, sur fûts ou sur montants latéraux en forme de lyre, en as de coupe ou en éventail. Elle pouvait être massive comme les grandes table renaissances ou légères comme les tables de salon. Une table de milieu dont le piètement assez haut en fait un meuble d’appui est une table haute à ne pas confondre avec le guéridon ou la sellette qui sont de faible largeur.

Table de milieu en bois sculpté et doré. Époque Louis XIV – ceinture de quatre-feuilles dans des croisillons, partie centrale ajourée de rinceaux feuillagés, acanthe. Mascarons casqués à la façon des bronzes d’André Charles Boulle à chaque angle à la partie supérieure des pieds tronconiques avec balustres à feuillage, fleuris, lambrequins, godrons et rosaces. Entretoise de liaison des pieds à ressaut et feuillage. plateau de marbre Sarrancolin à triple gorge . (crédit Eloge de l’Art par Alain Truong)

table en marbre de rapport de la galerie d'Apollon.

Grande table de milieu Louis XIV en marbre de la galerie d’Apollon au Louvre.

Michel Barthélemy Ollivier - Souper du prince Louis François de Conti au palais du Temple, 1766

Michel Barthélemy Ollivier – Souper du prince Louis François de Conti au palais du Temple, 1766


Tables consoles

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Tables consoles, époque Louis XIV – ci-dessous, table aux pieds de bois richement sculptés et dorés surmontés d’un plateau de marbre livrée pour les vestibules du château de Marly, 1683.

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Jean-Marc Nattier - Louise-Elisabeth de France, infante d'Espagne, puis duchesse de Parme en habit de cour (1727-1759), 1761

Jean-Marc Nattier –  Louise-Elisabeth de France, infante d’Espagne, puis duchesse de Parme en habit de cour devant une table console en pieds de bois sculptés et dorés, 1761

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Table réalisée par Boulle entre 1670-1680 avec marqueterie de bois variés incrustés d’éléments en étain, laiton, corne et écailles de tortue.


le bureau dit « Mazarin »

Bureau_MazarinfrontLe bureau dit « Mazarin » résulte d’une évolution du cabinet traditionnel. Celui présenté ci-dessous est divisé en trois parties et repose sur huit pieds reliés quatre à quatre par une entretoise en X. Chaque ensemble de pieds supportent trois tiroirs. La partie centrale est en retrait pour pouvoir placer les jambes.

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Bureau à caissons en marqueterie Boulle en contre partie attribué à Nicolas Sageot. Il ouvre à 6 tiroirs en caissons sur 3 rangs séparés par des traverses et un tiroir en ceinture surmontant un vantail en retrait. Il repose sur 8 pieds réunis quatre à quatre par deux entretoises en X. Les montants à pans en décrochement. Le plateau marqueté est cerné d’une lingotière en bronze ciselé et doré à décor de palmettes et feuilles d’acanthe.

Bureau à caissons en marqueterie Boulle en contre partie. Attribué à Nicolas Sageot (1666-1731). Epoque Louis XIV


Bureaux « brisés » (un bureau est dit « brisé » lorsque le plateau s’ouvre en interrompant le décor)

Alexandre-Jean Oppenordt (1639-1715), hollandais naturalisé français en 1679, ébéniste ordinaire du roi en 1684 - bureau brisé (un bureau est dit « brisé » lorsque le plateau

    Alexandre-Jean Oppenordt (1639-1715), hollandais naturalisé français en 1679, ébéniste ordinaire du roi en 1684 – bureau brisé en marqueterie d’écaille et de cuivre qui faisait partie d’une paire de deux bureaux identiques destinés au petit cabinet du roi, 1685.

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    Les artisans hollandais étaient nombreux dans les ateliers de menuiserie. Ils logeaient au Louvre et étaient dénommés « menuisier en ébène, faiseur de cabinets du Roi ». C’est en Hollande et dans les pays germaniques qu’était née la technique de précision qui consistait à rapporter sur la structure porteuse du bâti réalisée en bois courant en sapin, chêne ou châtaignier un habillage fait de panneaux en bois précieux plaqués. Ce bois rapporté était souvent de l’ébène, importé d’Afrique et connu en Europe depuis le XIIe siècle, que l’on avait réussi à travailler en feuilles minces au XVIIe siècle. (voir ce cabinet en ébène réalisé par l’ébéniste allemand Georg Jungmair vers1600-1610). C’est parce que l’essence la plus souvent utilisée était l’ébène que l’on appelé ce nouveau métier, ébénisterie.. Jusque là, les métiers du bois se répartissaient en deux corporations, celle des charpentiers, pour le gros-œuvre, et celle des menuisiers pour les objets plus petits (meubles, huisserie, parquet, etc…). En 1743 fut créée à Paris une nouvelle corporation, celle des ébénistes qui regroupait en 1789, 1.142 membres, principalement concentrée au faubourg Saint-Antoine.

Le bureau brisé semi ouvert et l’un des motifs de Jean Bérain qui aurait pu inspirer l’ébéniste

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cabinets

louvre-cabinet en ébène du milieu du XVIIe siècle

Le début du XVIIe siècle est capital dans l’histoire du mobilier français puisqu’apparaît une nouvelle technique d’origine germanique, l’ébénisterie. Ce procédé consiste à dissimuler le bâti de menuiserie d’un meuble exécuté en sapin ou en chêne, au moyen d’un placage de bois plus précieux, à l’origine l’ébène, d’où le nom d’ébénisterie. Le cabinet d’ébène est un meuble typique du XVIIe siècle parisien. Ce type de meuble est toujours de grande dimension, très architecturé et repose sur un haut support indépendant et assorti. Le cabinet du Louvre date du milieu du XVIIe siècle et présente un décor abondant obtenu dans l’ébène. Le grand bas-relief du vantail de gauche représente Horatius Coclès défendant l’entrée du pont Sublicius à Rome, contre l’armée du roi Porsenna. Sur le vantail de droite, le bas-relief met en scène les compagnons d’Horatius Coclès en train de couper le pont. Aux angles supérieurs se trouvent deux niches abritant des statuettes en ronde-bosse représentant Mars et Minerve, divinités guerrières en lien avec le sujet des vantaux. Le cabinet du Louvre fait partie de la série la plus luxueuse de ce type de cabinets en ébène. A l’intérieur, ce meuble présente des petites niches et une multitude de tiroirs séparés par des colonnettes de corail d’une grande préciosité. Ce petit monde s’ouvre comme un décor de théâtre. (Crédit musée du Louvre, Parcours Arts décoratifs)

Cabinet sur piétement d'une paire. Paris vers 1690-1710. A.-C Boulle, ébéniste et bronzier. Bâti de chêne, bois résineux et noyer, placage d'ébène, marqueterie d'écaille, de lai

Boulle, vers 1690-1710 – Cabinet sur piétement d’une paire. Bâti de chêne, bois résineux et noyer, placage d’ébène, marqueterie d’écaille, de laiton et d’étain, bronze doré. Musée du Louvre

Boulle, vers 1690-1710 – cabinet sur piètement Bâti de chêne, bois résineux et noyer, placage d’ébène, marqueterie d’écaille et de corne teintée, de laiton et d’étain, bronze doré (Musée du Louvre)


armoires & bibliothèques

armoire à 2 corps, 1617 (musée du Louvre)     L’armoire à un seul corps et à deux portes est un meuble novateur au début du XVIIIe siècle. Jusque là, comme le montre la photographie de gauche qui représente une armoire réalisée en 1617, les armoires étaient bâties à deux corps et à quatre portes. Sous le règne de Louis XIV, Boulle devint un spécialiste incontesté de la fabrication des armoires à un seul corps et à deux portes qu’il élevait au rang de véritables œuvres d’art grâce à ces incorporation de panneaux de marqueterie et d’éléments en bronze doré.

Armoire dite « aux perroquets » à décor de marqueterie florale de bois polychrome sur fond d’écaille réalisée par Boulle entre 1680-1700 qui met en œuvre les trois techniques utilisés par l’ébéniste : marqueterie florale de bois polychrome, marqueterie de métal et utilisation du bronze doré. (musée du Louvre)

Armoire dite « aux perroquets » : panneau latéral représentant un perroquet et panneau floral de l’une des portes.

Deux armoires dont deux bibliothèques (celles du centre et de droite) de la fin du XVIIe siècle (Louis XIV/Régence) attribuée à Nicolas Sageot (1666-1731)


Commodes

André-Charles Boulle - commode forme tombeau dite Mazarine

    André-Charles Boulle – commode forme tombeau dite Mazarine, bâti de chêne, placage d’ébène avec marqueterie d’écailles de tortue et incrustations de laiton, adjonction d’éléments de renforcement décoratifs en bronze doré, plateau de marbre marbre griotte, 1708-1709 – Cette commode fait partie d’une paire commandée à la fin du règne de Louis XIV pour sa chambre au Grand Trianon. Ces pièces sont les seuls meubles conservés qui ont été assurément réalisées pour le Roi par le célèbre ébéniste André-Charles Boulle. Leur forme étrange, qui évoque un coffre glissé sous une table en fait les prototypes d’un meuble qui se développera au 18e siècle : la commode.
Par ailleurs, le profil des tiroirs, l’un convexe, l’autre concave, qui atteste de la maîtrise de la technique du placage, anonce le style rocaille qui fera sien ce jeu de courbes et de contrecourbes. Toutefois elles sont encore marquées par le goût du règne de Louis XIV pour les matériaux riches et les forts contrastes de couleurs : rinceaux dorés de laiton, brun sombre de l’écaille de tortue, or des puissantes figures ailées de bronze, rouge de la tablette de marbre griotte.  (crédit Château de Versailles).

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Antoine-Robert Gaudreaus, ébéniste du Garde-Meuble de la Couronne (vers 1682-1746) – Commode à deux tiroirs sans traverse et à encoignures latérales fermées par des vantaux, plateau en marbre, panneaux de laque japonaise et vernis parisien, 1744.  La laque japonaise est rare à cette époque. Celle de la commode provient d’un paravent à six feuilles conservé dans la collection de Louis XIV et que le Garde-Meuble fournit au marchand-mercier Thomas-Joachim Hébert, l’un des rares à savoir amincir les panneaux pour les utiliser sur des meubles galbés. On sait qu’avec les vestiges de ce paravent, Gaudreaus réalisa la commode de Louis XV, mais aussi deux encoignures pour l’appartement de la reine et un grand bureau pour le cabinet de travail du roi. Les bronzes dorés dessinent trois cartouches en façade, le plus extérieur se compose de feuilles de roseau, l’autre, intérieur, entremêle feuilles et joncs, le troisième, en bas, se referme sur une feuille d’acanthe. De longues chutes enfin ornent les pieds. Entre ces bronzes alternent des zones de laque noire du Japon à décor polychrome et or de fleurs et de fruits, et des zones en vernis de Paris imitant la laque. On sait que pour le travail du vernis, Hébert était notamment en relation avec les Martin. (Crédit Société des Amis du Louvre)

commode double à armoires d'encoignure, Bâti en chêne et résineux, placage de palissandre et noyer ondé, bronze doré, marbre de Rance, vers 1725

Commode double à armoires d’encoignure, Bâti en chêne et résineux, placage de palissandre et noyer ondé, bronze doré, marbre de Rance, vers 1725 – Cette commode, destinée à une chambre de parade, est extraordinaire à plus d’un titre. Sa taille imposante en fait sans doute la plus grande commode du XVIIIe siècle français : elle mesure près de trois mètres de long, alors qu’une commode de belle qualité dépasse rarement la moitié ! Son plateau de marbre de Rance, d’une seule pièce, est à lui seul un tour de force ; sa découpe puissamment moulurée suit le mouvement en arbalète de la façade qui se poursuit sur les côtés. Le meuble ne repose que sur quatre pieds, crânement campés dans des sabots de bronze doré à pattes d’ours, dont les griffes s’étalent largement sur le sol ! Sa structure n’est pas moins exceptionnelle : le bâti de cette « commode double » comporte quatre tiroirs répartis sur deux rangs, séparés par un trumeau central, et encadrés aux deux extrémités de deux petites « armoires d’encoignure » ouvrant à un battant. créateurs pressentis : Charles Cressent (1685-1767) ou Antoine-Robert Gaudreaus (v. 1682-1746) – (crédit Musée des Arts décoratifs)

Commode de Louis XIV à Trianon André-Charles Boulle - Bâti de résineux, placage d'ébène, marqueterie d'écaille et de laiton, bronze doré, margre griotte, Paris, 1708 (Versailles)


instruments de musiques
clavecin

clavecin décoré par Claude Audran II, mécanisme de Ruckers

Clavecin décoré par Claude Audran III, mécanisme de Ruckers


Le lit

    Le lit est un meuble de grand prix au XVIIe siècle, décrit avec précision dans les inventaires. Louis XIII en possédait un avec du damas violet et orné de larges broderies d’or, Richelieu en avait un recouvert de satin blanc et de broderies d’or et Mazarin en détenait plusieurs. Le lit était transporté lors des déplacements, il suivait son propriétaire, démonté et rangé dans des malles en cuir. Souvent monumental, il était placé dans un angle de la chambre. L’espace entre le lit et le mur était appelé la « ruelle » et servait de lieu de réunion privée puisqu’il était d’usage de recevoir chez soi, allongé sur son lit.  (crédit Louvre)

à gauche : lit à la française à courtines (tentures), du château d’Effiat (musée du Louvre), époque LOUIS XIII – début de Louis XIV . On retrouve la structure cubique à la française des lits Louis XIII avec 4 quenouilles surmontées d’un « ciel de lit » également appelée « impériale ». Cette structure se maintiendra jusqu’à la fin du XVIIe siècle. À droite, exemple de « lit à la duchesse » apparu à la fin du XVIIe siècle qui est un grand lit d’apparat sans quenouilles surmonté d’un dais rectangulaire fixé au chevet de tête appelé le ciel qui couvre l’ensemble de la couche. Des lambrequins de tissus brodés cachent sa structure et il est parfois orné de beaux panaches qui adoucissent les angles ou d’un fronton. On ajoute ensuite des rideaux ou courtines qui tombent du ciel de lit.

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Château de Versailles – le lit de Louis XIV


Motifs des décors

la redécouverte des fresques antiques

    Les artistes de la  Renaissance s’étaient passionnés pour la redécouverte des vestiges de l’antiquité et en particulier des décors qui figuraient sur le fresques des intérieurs antiques romains mis à jour lors de fouilles. Ces décors complexes qui se composent d’architectures fantastiques, de paysages, de mises en scène de personnages d’allures parfois mi-humaines, mi-animales, d’entrelacs de feuillages et de fleurs qui s’enroulent sur elles-mêmes seront appelés « grotesques ».  Ils influenceront l’art décoratif jusqu’au début du XIXe siècle.

Antonio Tempesta - Florence, plafond du 1er corridor de la Galerie des Offices, entre 1579 et 1581

Antonio Tempesta – Florence, plafond du 1er corridor de la Galerie des Offices, entre 1579 et 1581


Jean Berain (1637-1711), Une vie dédiée à l’ornement

Gravure de Jean Bérain père

Gravure de Jean Berain pour un habit créé par lui

Jean Berain.jpg   Successeur de Charles Le Brun comme premier décorateur à la cour de Louis XIV pour laquelle il dessinait les décors d’opéra, des fêtes et manifestations diverses, les habits, les motifs de tapisserie, de lambris et de plafonds, les pièces d’orfèvrerie et même les vaisseaux de la flotte royale, Jean Berain, aquarelliste, dessinateur, graveur, décorateur de théâtre, fut l’un des plus grands ornemaniste de son temps, renouvelant l’art des grotesques et des arabesques jusqu’à lui basé principalement sur la représentation de la feuille d’acanthe par la promotion d’un style plus léger d’entrelacs, de festons et de singeries. La diffusion de ses oeuvres par la gravure et les estampes lui assura une renommée internationale, notamment à la cour de Suède (crédit Catherine Auguste)

Les grandes feuilles d’acanthe, qui dans les premiers projets de Berain (1667) jouaient encore un rôle important, furent plus tard supplantées en grande partie par d’autres éléments décoratifs, notamment un jeu de bandes. Cette estampe mettant en scène des jeux et des singeries reste en dépit de la petitesse des personnages, d’une grande clarté dans sa composition. Ici Berain se rapproche de la tradition des arabesques de la renaissance italienne par sa composition. Ses estampes ont été éditées à des dates variables en France mais plutôt tardivement dans la vie de l’artiste (la grande majorité de l’œuvre est publiée vers 1690 et surtout vers 1703-1710). Plus important peut-être encore pour leur diffusion est le fait qu’elles aient été copiées à Augsbourg et aux Pays-Bas (crédit Catherine Auguste).

Jean Berrain, planche gravée, modèle d_éléments décoratifs pour meubles Boulle

Jean Berrain, planche gravée, modèle d’éléments décoratifs pour meubles Boulle

Estampe de Berain

Dessin par Jean Bérain – Bibliothèque nationale

Jean Berain : Poupe du vaisseau Soleil Royal (1670) et proue du vaisseau Le Volontairellon


Claude III Audran (1658-1734), la légéreté et la finesse

    Peintre du roi et conservateur du Palais du Luxembourg, il s’est spécialisé dans les décorations murales et a créé des tapisseries et des panneaux décoratifs d’un style léger… Il participa en 1700-1701 au décor de la Ménagerie de Versailles et à la chapelle de Versailles, ainsi qu’aux châteaux de Fontainebleau, d’Anet, de Meudon, aux Invalides et aux Gobelins. En 1704, il décore le nouvel appartement de la duchesse du Maine à Sceaux et en 1709, exécute un décor de singeries pour le roi Louis XIV au château de Marly. Ce décor, aujourd’hui détruit, est connu par des dessins préparatoires. Beaucoup de ces travaux décoratifs ont été détruits. Mais, heureusement, bon nombre de tapisseries pour lesquelles il donna des cartons ont été conservées. Par ailleurs, le collectionneur suédois Cronstedt acheta, à la mort d’Audran, son fond d’atelier, soit plus de 2 000 dessins. Ils appartiennent aujourd’hui aux collections du Nationalmuseum de Stockholm. Audran eut comme collaborateurs de ses grands décors, les plus grands artistes confirmés de son époque comme son ami le peintre animalier Jean-Baptiste Oury ou encore Lagillière et Desportes. Il employa, à ses débuts, Watteau qu’il fit travailler comme apprenti. L’artiste s’est imposé comme le propagateur des décors arabesques remis à la mode par Jean Berain, mais sa manière était « un peu différente de celle de M. Berain ; elle est plus délicate et plus svelte » précise l’envoyé de Suède en France, D. Cronström.  (crédit Wikipedia)

Claude Autran III - Arabesque sur fond or, vers 1700

Claude Autran III – Arabesque sur fond or, vers 1700

Claude III Audran - ensemble de 6 panneaux allégoriques sur le thème des 12 mois grotesques, de Claude Audran III, copie des panneaux pour la tenture réalisée pour Meudon

Claude III Audran – ensemble de 6 panneaux allégoriques sur le thème des 12 mois grotesques, copie des panneaux pour la tenture réalisée pour Meudon


Pourquoi avons nous besoin de créer des monstres ? (et de les contempler…)


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     Giovanni Battista de’ Cavalieri (1525-1601) était un graveur, dessinateur et éditeur italien actif à Venise puis à Rome de 1550 à 1590. On lui a reproché son manque de créativité et d’avoir surtout copié des  originaux d’autres graveurs notamment ceux de son compatriote Enea Vico (1523-1567) et de l’allemand Hans Burgkmair (1473-1531). Les illustrations reproduites ci après figurent dans l’ouvrage  « Opera nel a quale vie molti Mostri de tute le parti del mondo antichi et moderne… » édité à Rome en 1585 par Cavalieri lui-même et seraient fortement inspirées des gravures de bois de Burgkmair qui avaient été largement diffusées en Italie à l’époque où cet ouvrage avait été édité. (crédit site laporteouverte, c’est  ICI )


Voici une version colorisée des gravures de l’ouvrage de Cavalieri

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La monstruosité

      « La monstruosité amène tout d’abord à une réflexion sur la peur de l’inconnu. « Le monstre effraie parce qu’il évoque la possibilité d’une structure du chaos. Il est un marasme fonctionnel. Or, du point de vue de l’homme, cette formation contraire aux lois de la nature doit être punie d’une manière ou d’une autre. Ainsi observe-t-on souvent l’impression, chez le personnage moderne, d’être partagé psychiquement. Son comportement devient alors ambigu et son apparence change au gré des humeurs et des circonstances, à l’instar des nains des traditions celtique et germanique. Celui qui se retrouve devant cette sorte de monstre découvre une personnalité protéiforme, c’est-à-dire multiple, fluctuante et dangereusement insaisissable. »

Maud Massila, « Le monstre à visage humain »
Histoires de monstres à l’époque moderne et contemporaine, volume X, Cahiers Kubaba, Université de Paris-I Panthéon Sorbonne, Paris  L’Harmattan 2007


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Au revoir…


article lié


le peintre Daniel Garber – Nostalgie de l’ancienne Amérique rurale


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Daniel Garber – In the Springtime, 1958

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Daniel Garber (1880-1958)     Daniel Garber (1880-1958) est un peintre américain né dans l’Indiana qui, après avoir voyagé et étudié deux années en Europe notamment à Paris où il s’intégra à l’American Artists Association et exposa à deux reprises, s’est ensuite installé en Pennsylvanie où il effectuera toute sa carrière de peintre indépendant et de professeur d’art à l’Académie des Beaux-Arts. Résidant en bordure de la rivière Delawarre près de New Hope, un gros village faisant partie des Bucks County*, ces comtés de Pennsylvanie qui avaient conservé le charme suranné de la vieille Angleterre et qui avaient attirés de nombreux artistes qui s’étaient établis près de New Hope donnant naissance à une colonie où prédominaient les peintres impressionnistes, la New Hope Artist Colony, dont faisait partie Garber. Son thème de prédilection était la peinture de paysage qu’il réalisait le plus souvent en plein air. Si son style était fortement influencé par l’impressionnisme qu’il avait étudié en Europe, il était également empreint d’un certain académisme sur le plan du dessin et de la composition. Il avait l’habitude de noter méticuleusement les points de vue d’où il peignait ses paysages, c’est ainsi que pour le tableau « In the Springtime » présenté ci-dessus, il avait écrit : « peint à partir de Lower Road de Lambertville à Princeton. En regardant en direction de L’Est, le matin  ». Ce tableau sera le dernier signé et daté de Garber qui devait mourir un peu plus tard après son exécution. L’artiste y applique un type de composition expérimenté à la fin de sa vie et qui consistait à diminuer ou même supprimer la vision du ciel en remontant la ligne d’horizon vers le haut du tableau afin de donner plus d’importance à la partie terrestre du paysage. C’est une scène typique de la vie rurale américaine de la côte Est de l’époque qui est représentée, on y voit au premier plan un fermier venant de terminer le labour manuel d’une parcelle et contemplant fièrement le résultat de son labeur. La lumière qui illumine les maisons et les arbres est celle d’un milieu ou d’une fin de matinée et projette des ombres marquées sur les éléments du paysage et le sol. La chemise blanche et le manche de la pelle fortement éclairées du personnage tranchent avec la partie ombrée de son corps et attire le regard. On distingue en moyen plan une femme se déplaçant sur un chemin voisin et en arrière plan une femme accaparée à faire sécher son linge. C’est un sujet pictural qui aurait pu être tout aussi bien traité à la manière naïve par ses compatriotes Grant Wood et Thomas Hart Benton, marquant ainsi le lien de parenté qui unit ces trois peintres qui portent témoignage de la ruralité américaine de la période de l’entre-deux guerres.

 * Le nom des Bucks County est dérivé de Buckinghamshire, le comté d’Angleterre d’où était originaire la famille Penn, celle du fondateur de la Pennsylvanie

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De gauche à droite  :     peintures de  Grant Wood  –  The Birthplace of Herbert 
Hoover, West Branch, Iowa, 1931 et Thomas Hart Benton – Chilmark Hoy, 1951

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De gauche à droite  :    Civita Castellana (1826-1827)  et Champ de blé dans le Morvan (1842) de Jean-Baptiste Corot

Self Portrait 1911    La comparaison de ces deux tableaux de Grant Wood et Thomas Hart Benton avec les tableaux de Daniel Garber présentés sur cette page permet de bien comprendre ce qui les relie et ce qui les sépare. Ce qui les relie, c’est la représentation détaillée du monde rural américain de la côte Est de l’entre-deux-guerres, monde encore très proche de son modèle européen avec ses petites parcelles, ces bosquets et ses haies. Ce qui les sépare, c’est le style de représentation qui poursuit des buts très différents. le style de Grant Wood est un style très appliqué, très léché qui soigne la représentation de chaque élément du paysage de manière autonome et qui aboutit au résultat que le tableau achevé ressemble à une maquette fidèle à la réalité matérielle et physique mais omet de transmettre les sentiments et les sensations que l’on éprouve à la vue du paysage réel. Thomas Hart Benton a choisi lui de transmettre la signification cachée du paysage en forçant le trait pour exprimer les lignes de force qui le structurent et l’animent. Les pentes sont accentuées, les courbes renforcées, les contrastes de lumières et de couleurs accusées et les meules de foin disposées dans les champs sont représentées telles des vagues agitant violemment la surface d’un océan. Tout cela dans le but de créer une atmosphère dramatique et de tension. Quand à Daniel Garber, j’ai eu la surprise, en découvrant ses tableaux, de revivre les sensations que j’éprouvais adolescent dans le paysage des Boucles de la Seine, en Normandie, où je passais mes vacances : la vision éthérée des falaises de Quarry dominant la rivière Delaware, c’est exactement celle que j’avais des falaises calcaires de la rive droite de la Seine dans les petits matin brumeux. Celle des barques amarrées au pied des grands arbres, c’est exactement l’image que j’avais conservé dans ma mémoire de l’embarcadère situé sur la rive d’un petit bras de la Seine en face de l’île longue qui le séparait du bras principal. J’ai retrouvé également les ambiances bleutées délicates des soirées d’été, la légèreté des feuillages blonds inondés de lumière, les violents contrastes d’ombre et de lumière des chauds après-midis écrasés de soleil et les puissantes teintes fauves automnales. Daniel Garber est un sorcier qui a su capter les sentiments délicats attachés à des instants fugaces et les emprisonner dans ses toiles pour nous permettre de les remémorer. Ses pinceaux fonctionnent comme des baguettes magiques. Certains le rattachent au courant impressionniste façon A.M. Whistler, d’autres à un réalisme teinté de romantisme et effectivement, cette capacité de sa peinture de pouvoir susciter les émotions chez ceux qui la contemple est une qualité toute romantique mais sa technique de juxtaposer des petites touches de couleur est elle, impressionniste.  Pour ma part j’ai noté de très fortes correspondances avec Jean-Baptiste Corot, l’inventeur des paysages baignés de lumière que l’on présente au choix comme le dernier des néoclassiques ou le premier des impressionnistes. Disons alors pour conclure que Daniel Garber était un peintre qui avait réussi à concilier la vision romantique du monde avec une technique héritée à la fois du néoclassicisme et de l’impressionnisme…

Enki sigle


Quelques autres tableaux de Daniel Garber parmi mes préférés

Daniel Garber - The Oriole,
Daniel Garber – The Oriole Meditation, 1925

Tanis, 1915, by Daniel Garber - July27_garber
Daniel Garber – Tanis, 1915

Mending, 1918Daniel Garber – Mending, 1918

Gathering Grapes - Daniel Garber 1909
Daniel Garber – gathering Grapes, 1909


illustres illustrateurs – Les plaisirs sains de la lecture avec Gulliveriana de Milo Manara


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Les plaisirs sains de la lecture avec Milo Manara

     Que faire quand une demoiselle se retrouve par le plus grand des hasards dans le plus simple appareil sur une vieille coque vermoulue venue du fond des âges, genre « hollandais volant » mais heureusement pour elle sans la cohorte de spectres repoussants qui habituellement le hante. Tout d’abord, faire le tour du propriétaire puis, pudeur oblige, penser à se vêtir avec les lambeaux d’un vieil Union Jack qui traîne par là et qui permettra à peine de couvrir l’essentiel et enfin, comme il faut bien passer le temps, se plonger dans la lecture d’un vieux livre : Les Voyages de Gulliver de Jonathan Swift.

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    Hélas, elle ne pourra pas terminer sa lecture… Un violent orage éclate qui s’accompagne d’une violente tempête et le navire va se fracasser contre les récifs. Par miracle, la demoiselle va se retrouver saine et sauve sur une plage et connaître, pour notre plus grand bonheur, de nouvelles aventures, toutes plus rocambolesques et plus déshabillées les unes que les autres..

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Au fait ! Avez-vous lu les Voyages de Gulliver ?


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Gulliveriana, 1996

Scénario et dessin de Milo Manara – Éditions des Humanoïdes Associés (août 2016) et en numérique (mars 2014). Aux États-Unis, publié par Erotica (NBM, New-York)


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  • Les liseuses, un poème d’Enki, c’est  ICI

Home, sweet home : architecture néo-normande, la villa Brodu à Beuzeval (Calvados) en 1886 de Jacques Claude Baumier


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Beuzeval, villa de l’entrepreneur parisien Eugène Brodu construite en 1886 par Jacques Claude Baumier architecte. Lithographie en couleurs de Spiégel d’après Chabat. Elle provient de l’ouvrage de 1886 : La brique et la terre cuite de Pierre Chabat paru à Paris chez Morel.

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carte postale ancienne du chalet « Le Carillon », rue des bains à Beuzeval, Houlgate


Pierre Chabat (1827-1892) était un architecte français devenu architecte de la ville de Paris en 1865. Il publia en 1881 La Brique et la Terre cuite, Etude historique de l’emploi de ces matériaux; fabrication et usage; motifs de construction et de décoration choisis dans l’architecture de différents peuples qui présentait 80 planches et qui sera suivi, compte tenu du succès rencontré, en 1889 d’une nouvelle série de 80 autres planches relatives aux Villas, hôtels, maisons de campagne, lycées, écoles, églises, gares, halles à marchandises, abris, écuries, remises, pigeonniers, cheminées, etc.


Jacques Claude Baumier (1824-1886) est un architecte, créateur du style régionaliste néo-normand. Opposant à Napoléon III, il Il est arrêté et emprisonné en 1852 avant d’être assigné à résidence à Caen où, après sa libération, il s’établira. Il fonde en 1858 avec différentes personnalités, la première Société Civile immobilière des terrains de Beuzeval, aujourd’hui Houlgate. Nommé par ses associés privés architecte de la ville, il établit le premier plan d’urbanisme de la station balnéaire et en 1859 commence à construire le grand hôtel, l’église et les premières maisons de villégiature, comme par exemple le Petit Manoir, en 1860 pour Louis-Léon Paris. Selon l’historien de l’architecture Claude Mignot, il est le créateur du type de la villa néo-normande. Auguste Nicolas, autre architecte caennais contemporain, le décrivait déjà comme « le rénovateur des constructions en bois, inspirées par nos manoirs normands ». Après son décès en février 1886, son fils René Baumier reprend son cabinet en association avec Auguste Nicolas.  (crédit Wikipedia)