Jadis, on s’habillait comme ça… (Hongrie)


Costumes de mariage

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Mariés de Mezokovesd (ville située au N-E de la Hongrie), vers 1900.
Les manches du costume du marié étaient, à sa mort, découpées pour lui servir de linceul


Quand le monde ressemblait à des tableaux…


Quatre photographies pictorialistes

Auguste Boutique - Retour du troupeau, 1905 (2).png

Auguste Boutique – Retour du troupeau, 1905

Léonard Misonne - Auprès du Moulin, 1905 (2).png

Leonard Misonne – Auprès du Moulin, 1905

Otto Scharf - Waldbach, 1902.jpg

Otto Scharf – Waldbach, 1902

Otto Scharf - Eifeldorfbrücke, 1908.jpg

Otto Scharf – Eifeldorfbrücke, 1908


Quelques belles photos de la photographe grecque Antigone Kourakou


Antigone Kourakou : la tragédie du regard

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Antigone Kourakou.png

Antigone Kourakou (2)

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Antigone Kourakou vit et travaille à Athènes comme photographe et restauratrice d’oeuvres d’art. Elle est également mosaïste professionnelle et cette activité l’a conduite à participer à de nombreux évènements internationaux. Elle a débuté  la photographie en 1998, alors qu’elle était encore étudiante. Après s’être livrée à d’importantes recherches et expérimentations sur les aspects esthétiques et techniques de la photographie, elle s’est engagée pleinement dans l’activité photographique à partir de 2010.

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Antigone Kourakou


regards croisés sur deux photos d’hommes et de chevaux – Gustave Roud : Trouble dans le canton de Vaud.


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Richard Seiler – Der Fuhrmann (le charretier), 1905

     C’est à une photographie de Gustave Roud, le poète vaudois féru de photographie que m’a fait penser ce cliché de 1905 d’un photographe allemand du nom de Richard Seiler sur lequel je n’ai pu recueillir aucune information (il est également l’auteur de la photographie Le Zelandais sur laquelle nous avons il y a peu de temps publié un autre article sur le thème des regards croisés, c’est  ICI). Les deux photographies mettent en scène un cheval et son conducteur et sont surtout intéressante par la qualité de leur composition et leur cadrage. Manifestement elles ont été soigneusement préparées par leurs photographes respectifs.

richard-seiler-der-fuhrmann-1905-22.png     La photographie de Richard Seiler met en scène la relation triangulaire qui se produit entre le photographe, un cheval attelé et son conducteur : le cheval se présente de face et ses oreilles dressées indiquent qu’il est attentif au photographe. Le conducteur se tient de profil et fixe son cheval. Le cheval et le conducteur apparaissent comme deux figures verticales hiératiques reliées virtuellement par le regard univoque du conducteur et physiquement par son bras nu à l’extrémité duquel apparait la main tenant fermement le mors. La composition est ainsi structurée sur la base d’une figure primaire en H avec prédominance de la barre verticale sur laquelle s’inscrit le cheval qui occupe l’espace central de la photo. Cet effet est encore renforcé par le fait que la tête de l’homme est plongée dans l’ombre. Le photographe a pris soin de relier la scène à son environnement naturel en préservant la vision sous forme de bandes parallèles horizontales de parties de champ, de forêt et de ciel.

chevalGustave Roud – série des Fermiers suisses, 1940

« Ce bras nu, ce bras pur qui apaise l’univers d’une seule caresse »   Gustave Roud, Aimé(s)

cheval    Très différente est la photographie de Gustave Roud qui a choisi de faire disparaître dans son cadrage la tête du cheval et le visage de son conducteur, le poète vaudois a manifestement voulu privilégier la représentation du bras nu, musclé et veiné de celui-ci. La composition se structure à partir de la ligne du force horizontale de ce bras qui en se rattachant à la verticale du corps de l’homme et de la diagonale du harnais forme un A renversé. On remarquera qu’à la différence de la photo précédente, la manche de chemise s’est trouvée repliée jusqu’à la partie supérieure du bras pour permettre la visualisation et la mise en valeur du biceps. Gustave Roud qui a souffert toute sa vie d’une homosexualité non assumée a pris de nombreuses photos de paysans de sa région du Jorat dans le canton de Vaud souvent représentés torse nu, vaquant aux travaux des champs. Comme dans la photo précédente, le bras du jeune paysan tient fermement la bride du cheval. Ce bras nu et musclé qui maintient fermement l’animal et qui dégage une troublante sensualité symboliserait-il pour le poète à la fois la l’expression d’un désir trouble et  son implacable répression ?

Enki sigle


Gustave Roud (1887-1976)
Gustave Roud (1897-1976)

Entrer dans l’intimité douloureuse de Gustave Roud

Aimé(s) – Extrait.

Je voyais la douce peau gonflée de muscles encore pâle dans l’ombre de la manche.
Ce bras nu, ce bras pur qui apaise l’univers d’une seule caresse
La faux d’Aimé tranche ce corps qui titube entre nous et s’effondre
sans avoir entendu le nom que je lui rends avec un cri.

Viens ! Aimé. Il y a autre chose que le sommeil pour ton corps rompu par la faux.
Viens ! toutes les cloches jusqu’à l’horizon sonnent l’heure de notre fuite,
Chaque village fleurit comme un bouquet de lampes
Viens ! voici renaître dans le noir tout un après midi de moissons
Dans son odeur de sueur et de paille chaude.

Ton épaule nue
Ta large poitrine nue
trouant le ciel comme un nageur hors de l’eau calme.
La cruche vernissée ruisselante de lumière et d’eau qui descend du ciel à tes lèvres.
Et comme un faucheur, le pied dans le nid,
Pris dans un essaim de guêpes furieuses,

Je ne peux plus leur résister.

Gustave Roud


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Regards croisés : deux photos de la danseuse Alexandra Beller et le tableau « Deux femmes courant sur la plage » de Picasso


Ivresse de l’âme et des corps

Irving Penn
Irving Penn – la danseuse Alexandra Beller (série Dancer), 1999

    Cette photo du célèbre photographe américain Irving Penn (1917-2009) a été prise en 1999 et représente Alexandra Beller, une danseuse qui faisait alors partie de la troupe Dance Company du danseur et chorégraphe newyorkais Bill T. Jones. Cette photo m’a irrésistiblement fait penser au célèbre tableau Deux femmes courant sur la plage peint par Picasso en 1922 lors de son premier séjour en Bretagne à Dinard où son épouse du moment, Olga, l’avait entraîné pour les vacances d’été. Même grâce et impression de légèreté dégagés par les personnages malgré leur morphologie enveloppée, même expression de mouvement intense dans la fixation de l’instant. Par leur élan et leur course effrénée, leurs bras dressés vers le ciel qui semblent battre l’air à la façon d’ailes, ces femmes semblent vouloir échapper à la gravitation terrestre et être prêtes à s’envoler.

Pablo PICASSO - deux femmes courant sur la plage
Pablo Picasso – Deux femmes courant sur la plage, 1922

Capture d’écran 2018-03-09 à 07.51.16.png     C’est un état extatique de totale liberté, d’abandon et de projection de soi que ces images décrivent, un état de transe dans lequel les corps peuvent impunément exulter et s’exposer. Les têtes violemment rejetées en arrière et tournées vers le ciel qui seront désormais un des thèmes graphiques récurrents du peintre rappellent les photographies et illustrations montrant les convulsions des patientes qualifiées d’hystériques du XIXe siècle. Ce tableau aura un grand retentissement étant en phase avec « l’air du temps », celui des débuts de l’émancipation des femmes, de la vogue des bains de mer et de la libération des corps. La seconde photo présentée ci-dessous de la danseuse Alexandra Beller, plus académique, ne semble pas être être d’Irving Penn; je l’ai néanmoins publiée car elle rappelle  la posture de la femme en premier plan du tableau de Picasso. Irving Penn et Alexandra Beller se sont-ils inspirés des tableaux de Picasso pour réaliser ces clichés ? Picasso s’est-il inspiré des photos et illustrations d’hystériques du XIXe siècle pour composer son tableau ? On ne le saura sans doute jamais mais on ne peut être qu’admiratif devant le génie du peintre d’avoir été capable, à partir des scènes certainement très sages visualisées sur les plages de l’époque (voir photo ci-dessous), d’anticiper par l’imagination les mouvements exacerbés des personnages de son tableau, mouvements qui ne pourront être corroborés par la photographie que plusieurs décennies plus tard. Cette capacité que possède l’artiste de génie de découvrir et montrer les ressorts cachés des passions et actions humaines en les exaltant et les poussant à leurs limites les plus extrêmes ne traduit-elle pas une des fonctions essentielles de l’art qui est celle du dévoilement et de la révélation de ce qui est caché ou nié.

Enki sigle

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Alexandra Beller – photographe inconnu

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Sur une plage américaine de l’époque


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Regards croisés sur deux portraits : l’un photographique de 1905, l’autre peint par Gauguin en 1889.


Le zélandais, photo de Leopold Willems, 1905

Leopold Willems - Le Zélandais, 1905.jpg

    Lorsque j’ai découvert ce cliché réalisé en 1905 par le photographe belge Leopold Willems qui montre un personnage natif de la province de Zeeland dans les Pays-Bas dont la masse épaisse et sombre du corps occupe de manière presque incongrue le premier plan effaçant presque la scène et le décor délicieux du second et le l’arrière-plan où l’on voit en seconde lecture un groupe de trois femmes avec une fillette en costume traditionnel sur un fond de moulin à vent, une autre image s’est immédiatement imposée à moi, celle de l’auto-portrait que Paul Gauguin a peint en 1889 et où il se représente lui aussi en premier plan devant un tableau représentant un Christ jaune se détachant sur un fond de paysage bucolique.
      Même présence envahissante du personnage occupant le premier plan qui semble vouloir s’imposer au spectateur au détriment du décor ambiant, même position du corps représenté au trois-quart et du visage en semi-profil, même nez proéminent qui se projette vers l’avant et surtout même regard oblique qui semble nous fixer avec insistance au point qu’il devient inquiétant. Chacun des deux personnages apparaît comme le sujet essentiel de son image. Le zelandais avec son manteau à large col laissant apparaître un veston intérieur et un foulard à motifs noué autour du cou semble être un bourgeois ou un membre important de la communauté. L’air décidé qu’il arbore, le béret à visière traditionnel de marin posé négligemment sur son crâne et le cigare au bec semble confirmer cette hypothèse. Le monde qui s’ordonne autour de lui et qu’il cache en partie est « son monde », un monde apaisé et serein. Peut-être est-il un armateur ou un riche marchand, peut-être même le meunier propriétaire du moulin que l’on voit se dresser à l’arrière-plan et qui joue dans la composition de la photographie le même rôle de verticale structurante que la silhouette longiligne du Christ sur la croix du tableau de Gauguin.

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     La photo de Leopold Willems a été exposée au IXe salon international de la photographie de Paris de 1904 et a été publiée en 1905 dans la revue Die Kunst in der Photographie (l’Art dans la photographie) qui sous la direction de son fondateur Wilhelm Knapp et du photographe Franz Goerke éditait depuis 1887 dans la ville de Halle-sur-Saale située en Saxe près de Leipzig des revues consacrée à la photographie européenne.


Gauguin, l’autoportrait au Christ jaune, 1889

     Dans son autoportrait réalisé en 1889, Paul Gauguin se représente également « dans son monde » mais à l’opposé du monde ordonné, apaisé et serein qui accompagne le personnage photographié par le belge Leopold Willems, le monde qu’il a peint n’est pas le monde physique extérieur mais son monde intérieur alors en proie aux pires tourments, écartelé qu’il est entre le doute et le désespoir et l’espérance de sa rédemption par l’art.    
      Au moment où il peint ce tableau, voilà déjà sept années qu’il a abandonné son emploi de courtier en bourse pour se consacrer pleinement à la peinture. Les premières années ont été difficiles et sous la pression de son épouse danoise, Gauguin a du partir pour Copenhague où le couple a été pris en charge par sa belle-famille avec laquelle il ne s’entendra pas. Ses tableaux ne rencontrant pas plus de succès dans la capitale danoise qu’à Paris, il rentre seul à Paris en 1885, laissant derrière lui, la mort dans l’âme, son épouse et quatre de ses cinq enfants dont il ne peut assumer les besoins. 

Gauguin - autoportrait au Christ jaune,1889.JPG

Paul_Gauguin La Cueillette des fruits, ou Aux mangos (1887).jpg     Les quatre années qui vont suivre seront erratiques puisqu’on le retrouve à Pont-Aven, en Bretagne, puis à Panama où il travaille au percement du canal, et enfin à la Martinique où il reprendra goût à la peinture : « L’expérience que j’ai faite à la Martinique est décisive. Là seulement je me suis senti vraiment moi-même, et c’est dans ce que j’ai rapporté qu’il faut me chercher si on veut savoir qui je suis, plus encore que dans mes œuvres de Bretagne. » (voir le tableau ci-contre de 1887, Aux Mangos). Mais malade et sans ressources, il doit rentrer en France en novembre 1887. L’année 1888, le retrouve à Pont-Aven avec un groupe de peintres qui expérimentent des techniques et des formes nouvelles que l’on connaîtra plus tard sous l’appellation de « l’école de Pont-Aven. » Cette période est l’une des plus fécondes de sa production artistique avec des tableaux comme « La Vision après le sermon » ou « la lutte de jacob avec l’ange » (1888), « La Belle Angèle »  et « le Christ jaune » (1889), une représentation du christ en croix en bois de la chapelle Trémalo à Pont-Aven, image qu’il réintégrera dans son auto-portrait peint la même année.

« la lutte de jacob avec l’ange » (1888), « La Belle Angèle » et « le Christ jaune » (1889)


Autoportrait au Christ jaune, 1889 : tourments intérieurs et espérance.

Le Christ jaune : on a coutume de dire que dans ce tableau, Gauguin s’est représenté trois fois, une première fois en chair et en os en tant que sujet principal du tableau, une seconde fois sous les traits du lumineux Christ jaune de la chapelle Trémalo et une troisième fois à travers la face écarlate grimaçante de son pot à tabac qu’il avait modelé à son image et qui apparaît comme une figure menaçante à l’angle supérieur droit du tableau.

Capture d’écran 2018-03-08 à 07.46.33.png     christ de pont aven.jpg

    Le Christ jaune est un rappel du tableau qu’il avait peint peu de temps avant et qui représentait la sculpture en bois du Christ crucifié qui trônait dans l’une des chapelles de Pont-Aven, la chapelle Trémalo. Je ne suis pas d’accord avec l’analyse de ceux qui prétendent que la composition du tableau initial qui a servi de modèle à cette partie de l’autoportrait « repose sur la croix » et que dans le Christ jaune, le peintre se représente « sacrifié, crucifié » . Dans les deux représentations, la partie supérieure de la croix a été tronqué et la symbolique de la croix perd de son intensité. Réduite à un pilier en T qui semble supporter le ciel, le caractère dramatique de la Crucifixion s’en trouve atténué et c’est presque une scène sereine et apaisée dans un paysage riant qui se développe sous  les bras protecteurs du Christ que le spectateur découvre. Le temps du déchirement et de la souffrance est passé. Certes, le christ apparaît comme le témoin de cette souffrance passée ou en voie de guérison mais ce n’est plus un Christ de souffrance, c’est un Christ de lumière et d’espérance, tourné vers l’avenir qui protège et projette sa chaude lumière sur le monde. Après les années difficiles qui ont suivies la séparation avec sa famille, Gauguin pense avoir enfin trouvé à Pont-Aven sa voie dans le monde de la peinture. Il a le projet de rompre avec son passé de malheur et redémarrer sa vie sur des bases nouvelles en partant à Tahiti et se livrer totalement à l’exercice de son art.


le pot de tabac : Mais Gauguin n’est pas dupe, il sait que si il s’est engagé sur la voie de la rédemption et du succès, il n’est pas encore totalement sorti d’affaire et que les vieux démons qui l’ont assaillis par le passé sont toujours présents et prêts à le pousser vers l’abime. C’est cette menace toujours présente que symbolise dans le tableau la face convulsive et grimaçante du pot à tabac sur lequel il s’était représenté au moment de sa période sombre. Pour le mettre en valeur dans son tableau il a repris les teintes de base du Christ jaune : le jaune et le rouge orangé, mais à l’inverse du Christ jaune où la couleur jaune est dominante, il a choisi pour mettre en valeur le pot à tabac, la couleur rouge sang.

Capture d’écran 2018-03-08 à 07.46.51.png     pot de tabac.jpg


Son portrait :

Capture d’écran 2018-03-08 à 09.19.54.png     Capture d_écran 2018-03-07 à 09.22.37

     Il est intéressant de comparer les expressions du visage de Gauguin de ses deux auto-portraits, l’un peint en  1885 à Copenhague que nous avons déjà cité et celui du Christ jaune de 1889. Le visage de 1885 exprime l’irrésolution et l’abattement, c’est le visage d’un homme à la dérive en proie au doute. Au contraire le visage de 1889 est celui d’un homme qui semble résolu. Autant les traits du visage de 1885 semblent peu précis et apparaissent comme esquissés sur un fond peu coloré exprimant la pâleur, autant les traits du visage de 1889 apparaissent fermes et bien marqués et renforcés par des couleurs chaudes et le traitement en clair obscur contrasté de l’éclairage. Dans le premier portrait le regard paraît éteint et absent de la réalité du moment, dans le second portrait, le regard fixe le spectateur de manière calme et sans ostentation, exprimant ainsi l’équilibre intérieur du peintre à ce moment particulier de sa vie.


 

Nostalgie – Comme Un Lego – Hommage à Bashung et à Gérard Mancet


Quand Bashung chante Manset

     Paris en noir et blanc, les 2ch, les dauphines, Les films de Godard, Brigitte Bardot, Jean-Pierre Léaud, Marina Vlady, Anne Wiazemsky, la touchante Jean Seberg, Belmondo, Jean Ferrat, la délicieuse Anna Karina, Macha Meryl, les disques vinyl,  les postes de télévision minuscules en noir et blanc avec une seule chaîne, Le temps où nous avions du temps… Le temps de la simplicité, de la sérénité et de l’innocence… La vie, l’amour, la mort… Tous ces souvenirs s’emboîtent comme dans un lego, mais qui demeurera pour toujours incomplet car nous avons égaré de nombreuses pièces…  Merci pour ce clip, Obok Manitoba

       Comme Un Lego

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°°°
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  Crédit : clip Obok Manitoba


Pour la version originale de cette chanson chantée par Gérard Manset, lire l’article « Présents, ils sont absents », c’est  ICI